Cinéma et spiritualité

Guide d'orientation

introduction

Lors de la préparation de ce guide, les affirmations d'être une indication de ce qui «doit être fait» sont prudentes. La totalité de ce qui a été développé est le résultat de longues expériences dans le temps qui d'une manière ou d'une autre ont donné des résultats et que nous voulons offrir dans le but de contribuer à la communication.En prenant les prévisions qui sont indiquées dans cette étape, nous comprenons qu'en supposant la tâche proposée génère des résultats enrichissants.

Bien que le thème central soit le cinéma, il est nécessaire de souligner que de notre point de vue, finalement le plus important n'est pas de réaliser une performance d'excellents spectateurs mais de comprendre que lorsque nous travaillons avec cet art, nous allons être impliqués dans un processus de communication. À la fois à cause de ce qu'est le cinéma comme médium et à cause de l'interactivité dialogique qui se crée entre les acteurs qui participent aux rencontres, nous grandissons avec les mots et les rencontres personnelles. Et dans ce processus nous grandissons dans la spiritualité. Écouter, partager, comprendre, guider, regarder ensemble, nous éclaire collectivement. Y parvenir n'est pas aussi facile que de l'exprimer ou de le proposer, nous sommes humains et nos richesses et nos faiblesses s'expriment dans nos liens. .

Cinéma et médiation

Nous aimons entendre des histoires.

Nous apprécions les histoires.

Et c'est ce qu'est le cinéma, des histoires racontées, des choses qui arrivent aux gens, comme dans la vraie vie.

Il y a une meilleure raison d'aimer le cinéma " caf

Des histoires avec des personnages qui vivent des situations similaires à la mienne ou à celles d'autres que nous connaissons. Certains sont des héros de situations quotidiennes et d'autres d'événements extraordinaires. Les choses arrivent aux gens dans la vie, comme dans les films. Plusieurs fois nous commentons certains événements qui nous arrivent: vous ne le croirez pas! ... quelque chose qui vient d'un film m'est arrivé! C'est très courant, parfois sans s'en rendre compte, en famille ou entre amis ou aussi sur le lieu de travail, Faisons référence ou évoquons des films pour donner des exemples qui nous représentent dans le monde réel. Il est plus courant de commenter un film que nous avons vu qu'un livre que nous lisons. Il est plus courant de discuter d'une histoire que nous avons vue que de commenter de manière critique un texte que nous lisons. En d'autres termes, le cinéma est impliqué dans nos vies plus que nous n'en avons conscience. Ce substrat culturel qui s'est installé avec le développement des médias audiovisuels, génère une immense possibilité de travailler avec le cinéma à partir de perspectives qui vont au-delà de la consommation légitime. Divertissement: Regarder un film est presque toujours une expérience agréable, car il est lié au divertissement et fondamentalement à l'émotion. Les gens aiment s'exciter. Il aime rire et pleurer aussi, bien que ce dernier un peu moins. Devant le cinéma, nous sommes tous spectateurs, quelques-uns, spectateurs et créateurs, c'est-à-dire producteurs, cinéastes, conteurs mais aussi, avant et toujours, spectateurs. C'est pourquoi Approcher le cinéma d'une expérience formatrice est un processus presque naturel, mais pour autant que cela puisse paraître, cela semble facile. Mais ce n’est pas le cas. Le cinéma est une expression que l'on peut apprécier car il est fondamentalement construit avec un langage que personne ne nous apprend à déchiffrer et que l'on sait pourtant lire, c'est donc là qu'on va s'arrêter.

Est-il possible de regarder des films et de les commenter sans avoir une connaissance spécifique du cinéma, de son langage et de son histoire, "ou sans connaître la valeur symbolique de ses images, ou métaphores, etc."

La réponse à cette question obligatoire est le chemin que ce guide de type didactique veut parcourir. Si mon but en tant que formateur est d'utiliser le cinéma avec des résultats efficaces, en termes de communication, je dois prendre en compte quelques considérations:

1. Sachez que le film avec lequel je vais travailler n'a pas été conçu par son auteur (réalisateur) pour cela, mon propos.

2. Dans ce cas, le film devient un outil.

3. Que l'objectif principal n'est pas de créer un lecteur de films spécialisé

4. Que mon rôle se transforme en celui de médiateur entre l'œuvre et son destinataire final, c'est-à-dire le spectateur.

Chaque film parle de lui-même, ce n'est pas du tout un outil. C'est un apport culturel destiné au divertissement sans forcément exiger ou assurer une rétribution réflexive en termes de pensée du spectateur, il devient un outil lorsque je décide que je vais utiliser le film pour quelque chose, c'est-à-dire pour autre chose que le regarder, par exemple. donner un avis dans un échange dialogique à finalité pédagogique C'est un outil lorsque mon intervention sur celui-ci contient le but de guider des tiers vers une lecture, qui même avec les meilleures intentions et l'équilibre reste une lecture directionnelle d'un acte dont le spectateur devrait profiter en toute liberté. Ceci m'empêche donc de la possibilité, dans tous les cas, de tirer des conclusions déterministes ou fermées Surtout si je suis devant une œuvre d'art.

Que signifie dialoguer avec l'œuvre

Tout d'abord, en regardant le film, je dois m'abandonner à l'émotion, aux sentiments que cela provoque en moi, puis, si l'on considère le film comme un texte qui contient un sens, dialogue avec le sens, entrer dans une dimension plus rationnelle, c'est-à-dire pénétrer Dans son intrigue, traverser ses aspects formels et symboliques, comprendre le sujet, découvrir son message… La première chose qu'il faudrait comprendre est qu'un film, quelle que soit sa qualité, est une production, une construction collective complexe. Et notre travail de dialogue consiste à analyser cette complexité, et cela apportera un résultat en fonction de ma «position» face à l'œuvre. Dans un certain sens, allez dans l'autre sens ou déconstruisez-le. Un film peut être saisi à partir de différents points de vue, je peux le faire à partir d'une analyse du genre cinématographique, le comparer dans le contexte de l'histoire du cinéma lui-même, décrire son esthétique, mettre en contraste le style du réalisateur avec les autres, etc. Les objectifs peuvent être d'enseigner le cinéma dans l'histoire de l'art, du cinéma lui-même, ou comme exemple pour ceux qui vont produire ou faire des films, etc. Dans le cas où dialoguer avec le cinéma est de visualiser le film avec une mise en scène, cette direction va être guidée par ce que je sens ou pense être dans le film et répond à mon but ultérieur à la vision de celui-ci. Si je veux parler des valeurs que l'histoire transmet à travers les actions morales de ses personnages, c'est là que je placerai principalement mon regard. De la même manière, quelle que soit l'histoire, je peux m'attarder en détail sur les valeurs formelles et esthétiques du film.

Comment marcher sur la route

L'attitude et l'aptitude sont ce qu'il faut pour travailler avec le cinéma comme outil: engagement et maturité Quand on parle d'engagement, on se réfère à ce que l'on doit assumer avec l'œuvre. En d'autres termes, m'engager dans le film, c'est le voir plus d'une fois, le lire, connaître son réalisateur, le questionner, l'incorporer dans ma logique, mes sentiments, le laisser mûrir en moi, prendre de la distance et en même temps devenir intime avec lui. Il est remarquable de voir comment, à plus d'une occasion, le film grandit en moi lorsque le temps s'éloigne du visionnage.L'engagement envers le film est la première exigence que le médiateur doit acquérir. Cela vous donnera la sécurité lorsque vous affronterez la réunion avec les destinataires du dialogue indiqué ci-dessus. Cela vous mettra à l'avantage de signaler les initiatives de lecture. Et cela consolidera l'expérience avec le sérieux que cela implique.

La deuxième condition est la maturité. Quand il s'agit de travailler sur une question telle que les valeurs, je dois avoir des critères clairs et mûrs à leur sujet. S'il est vrai que l'expérience de vie contribue à cette maturité, il n'en est pas moins vrai le besoin de formation personnelle et la conviction que ce que je critique, propose ou réfléchis doit être un tout cohérent et le produit d'une réflexion préalable. Nous ne serons jamais suffisamment préparés en termes de maîtrise absolue des questions à discuter, mais avec engagement et maturité personnelle nous réduisons le chemin de l'incertitude et de la légèreté.

CINÉMA ET SPIRITUALITÉ

 

De quoi parle-t-on quand on réunit dans un binôme deux concepts qui à première vue représentent deux dimensions au moins lointaines "Le cinéma est un intrant culturel installé dans l'imaginaire social comme un spectacle conçu pour le divertissement; et la spiritualité, une dimension réservée à l'ordre de l'intime, du sensible, du personnel. Peut-il y avoir un lien légitime entre les deux concepts? Si l'on reconnaît au cinéma une manifestation esthétique et dans un sens plus artistique, on fait le premier pas pour légitimer les liens. L'art a pour destination finale l'esprit et le cœur des hommes, où résonne l'émotion. Ce qui m'émeut qui m'émeut, m'emmène hors du lieu où je suis installé. En ce sens, l'art, avec la religion, peut être pour l'homme, un véhicule de Rédemption. Il rachète par sa beauté, sa vérité. Mais il n'est pas toujours clair si tout le cinéma produit est une œuvre d'art. Même ainsi, on peut reconnaître dans une infinité de réalisations. ces œuvres qui nous parviennent d'une manière particulière, soit à cause du contenu de leur histoire, soit à cause du traitement qui leur est donné.

La spiritualité au cinéma est présente chaque fois que, à travers leurs histoires, je projette ou m'identifie à ce qui arrive aux personnages qui souffrent de situations profondément humaines qui tentent de résoudre des conflits qui traversent la douleur, l'angoisse, l'amour, l'espoir, la recherche du transcendant, exprimé dans des histoires qui rendent compte des luttes pour un bien social ou communautaire, qui construisent des chemins vers la paix, qui sont victimes de l'égoïsme des autres, qui ne sont pas reconnues dans leur dignité qui sont discriminées, persécutées , qui ont peur, qui risquent leur vie pour les autres, etc. Parfois du fait de la présence de valeurs ou même de leur absence et de leurs conséquences, la spiritualité de l'homme est remise en question. Et c'est là que les mots émergent comme jugement, en réponse.

En spiritualité, c'est la condition humaine qui est en jeu. Et c'est le jeu auquel nous devons jouer. On sait que toutes ces questions peuvent être relatées au cinéma avec une qualité plus ou moins grande, soit à cause de leur forme, soit à cause de leur profondeur. Par conséquent, le premier défi auquel nous devons faire face a trait au choix du matériau. Ce qui est proposé ci-dessous ne sont pas des critères fixes et sans appel. Ils sont plutôt le résultat d'expériences menées depuis longtemps dans le domaine qui nous concerne.

Pour renforcer et approfondir le thème du cinéma et de la spiritualité, nous recommandons le travail réalisé par Luis García Orso, Sj dans MODULES DE FORMATION DE BASE: matériel didactique pour les promoteurs "

Le médiateur et sa tâche

Que choisissons-nous

Le choix du film est l'une des tâches les plus complexes, on peut le faire en l'ayant vu soi-même, ou par recommandation de tiers qui partagent nos critères en termes de qualité du film. Ou on peut aussi le faire, comme dans ce cas, guidé par des publications spécialisées. Le premier critère que nous devons prendre en compte est:

A qui (à qui) s'adresse le film?, En référence évidemment au groupe avec lequel nous allons travailler. A ce stade, il y a deux considérations dont il faut tenir compte: ma préparation en tant que médiateur et le profil du groupe avec lequel je vais d'interagir

Concernant la première: si nous commençons dans la pratique, nous devons opter pour des films dont les histoires ne contiennent pas de complexité narrative et formelle, bien que le thème présenté par le film soit le plus approprié à notre objectif. Les critères de ce choix sont transférables au groupe avec lequel je vais travailler. S'ils consomment peu de cinéma ou que le cinéma qu'ils voient comme des produits commerciaux légers, ils devront choisir de commencer par des films plus proches de leurs apports culturels quotidiens et progressivement évoluer vers des œuvres plus profondes. Il y a de bons films avec des productions spectaculaires, surtout dans les sagas actuelles qui renflouent dans leurs histoires les dilemmes classiques de la lutte du bien et du mal.

Un autre critère à prendre en compte est: combien de temps vais-je travailler avec le même groupe. Si la possibilité est de le faire sur une période de temps, au moins cinq rencontres, nous pouvons croître en complexité narrative et approfondir thématique.Une fois que nous avons atteint un public engagé et une présence régulière avec les rencontres, nous pouvons approfondir des œuvres qui atteignent des niveaux de réflexion plus complexes.

Comment regarder un film

Le médiateur, comme nous l'avons dit plus haut, doit s'assurer de la maîtrise du matériel audiovisuel avec lequel il va travailler. Il est conseillé de regarder le film trois fois, la première fois, presque avec un regard naïf. Abandonnez-vous au travail, profitez-en. Laisser le film pénétrer mes sentiments, mon émotion… La seconde visualisation a déjà son mérite, savoir de quoi il s'agit. Le regard pourra être plus distant. Dans un sens, plus objectif.

Cette seconde observation doit être faite en prenant des notes avec une télécommande en main, notez tout ce qui retient mon attention, peut-être déjà détecté à première vue. Arrêtez l'image si nécessaire. Copier des phrases des personnages que je comprends peut être important, qui reflète une pensée, un principe, une idée. Quelque chose qui définit le personnage dans sa vision du monde ou la situation à laquelle il doit faire face. En d'autres termes, nous mettrions en évidence une partie du script.

La troisième visualisation sert à corroborer la tâche effectuée dans les deux étapes précédentes. Une fois les éléments analytiques ajustés, je dois décider si c'est le matériau le plus approprié pour le groupe avec lequel je vais travailler. À ce stade, on peut penser que trois aperçus ne sont pas nécessaires pour prendre une telle décision. Cependant, il existe de nombreux films qui, si vous les parcourez attentivement, révèlent une histoire et un traitement formel plus riche que ce qui apparaît en premier lieu. Cependant, pour ceux qui ont déjà acquis de l'expérience dans l'activité, un seul regard suffira pour prendre la décision.

Comment interagir avec le public

Il est préférable d'avoir une connaissance préalable du groupe cible de l'expérience. Cette situation, qui pourrait être considérée comme la plus naturelle et la plus logique, ne se produit cependant pas toujours. C'est le cas lorsque nous sommes invités à rencontrer pour la première fois un groupe avec lequel nous n'avons jamais eu de contact et qui est très hétérogène dans sa composition et ses intérêts. Dans ce cas, l'important est de s'assurer de qui ils sont, de leur âge, s'ils ont ou non l'expérience d'avoir travaillé avec le cinéma, d'où ils viennent, des préoccupations, etc. Cette information doit nous être fournie par la personne qui nous appelle. Connaissant la situation, nous pourrions exiger une réduction du nombre d'audiences, d'âge, de points d'intérêt, etc. Si nous voulons travailler avec des jeunes et des adolescents, il n’est pas souhaitable que les groupes soient massifs et s’ils le sont pour des raisons que nous ne pouvons pas gérer, nous devons faire face à la tâche de diviser le public en groupes ne dépassant pas dix personnes.

 

 

L'utilisation du temps

Si nous voulons bien faire la tâche, il faut avoir suffisamment de temps pour les différentes étapes La première étape devant le groupe est la présentation, en rappelant brièvement le sens de la réunion, avant ma présentation personnelle qu'il est commode d'en faire une troisième Le second est une très brève présentation de ce que nous allons voir. Cela a un sens d'orientation, avec l'idée de préparer le public. Ici, nous pourrions suggérer de prêter attention à certains aspects du film que je considère comme essentiels. Mais pas plus que ça. Ensuite, nous pouvons anticiper, sans plus de détails, comment nous allons travailler sur le film une fois la projection terminée. Toute cette période doit être courte, il ne faut pas liquéfier l'attente de voir le film et ajouter plus de temps à la rencontre qu'il ne convient.

La deuxième étape doit prendre en compte le plus important: le médiateur doit être présent pendant toute la projection du film, même s'il sent qu'il l'a bien incorporé. Cette présence indiquera: ce que nous faisons est important, cela m'intéresse autant que cela Mais aussi être présent lors de l'exposition totale du film transforme, pour le médiateur, un moment précieux, situé dans le public, permet de détecter les réactions, les commentaires et les émotions. Face à ces situations, le médiateur doit prendre en compte les passages de l'histoire qui ont généré ces comportements chez le spectateur, puis les promouvoir dans un dialogue ouvert. Cela nous amènera à réfléchir car face à certaines situations où le silence est attendu, des rires éclatent, ou certaines scènes suscitent des commentaires à voix basse. Indirectement, cette instance peut générer une indication sur la maturité du groupe devant le film. Il est naturel pour les adolescents de se sentir inhibés devant leurs pairs, de reconnaître que dans telle ou telle partie de l'histoire, ils ont été émus de larmes. Il sera plus facile de commenter tout ce qui leur a causé de l'humour. Mais mon attitude de médiateur d'avoir écouté les spectateurs peut me guider plus précisément dans la tâche ultérieure.

Après la projection, qui dure presque toujours deux heures en moyenne, il est conseillé de faire une pause aussi brève que possible. Cela évitera de futures désertions pour aller aux toilettes, ou tout autre besoin. Un très long temps de relaxation n'est pas conseillé, même si les circonstances le permettent, il convient de l'éviter. Nonobstant ce qui précède, il faut tenir compte des caractéristiques du film que nous avons projeté. histoire qui est dure, difficile, lente ou qui a un impact important sur l'humeur, l'angoisse, la tristesse ou l'anxiété du public; mérite, besoins, détente, oxygénation. Le bon sens du coordinateur saura gérer les temps différemment.

Dans tous les cas, ce que nous soulignons, c'est que le facteur temps qui sert d'intermédiaire entre la fin de la projection et le début de l'interaction à travers le dialogue en cours, doit être géré consciemment. À ce stade, ce n'est évidemment pas la même chose de travailler avec des enfants, des jeunes ou des adultes. L'étape suivante est une sorte de visage général, la meilleure façon de provoquer le début d'un dialogue est de demander s'ils ont aimé le film ou non. Cette question en apparence simple peut nous donner un aperçu de l'humeur du public . Ensuite, nous pourrions continuer avec la question: quelle scène les a le plus touchés, "qu'est-ce qu'ils ont le moins aimé?" Ces questions me donneront un aperçu général des sentiments que l'histoire a provoqués en général. L'étape suivante consiste à ordonner la lecture d'un point de vue D'un point de vue analytique, il convient pour chaque opinion ou assertion du public de se demander le «pourquoi». À ce stade, nous pourrons remarquer quelle est la vision qui s'exprime sur certaines valeurs qui peuvent être présentes dans l'histoire. Il n'est pas étrange de découvrir que certains jugements ou opinions ne sont pas en accord avec une vision comme la nôtre, celle du médiateur, même souvent ils peuvent même être opposés. Les jeunes justifient souvent des actions qui ne sont pas justifiables ou du moins discutables.

Le médiateur comme facilitateur:

L'expertise du médiateur sera de provoquer un débat sur cette position en cherchant des alliés dans l'auditoire pour équilibrer les opinions. À ce stade, il faut éviter une stagnation dans la confrontation des idées, ce qui est important c'est que les avis sont pluriels, il y a des nuances, des divergences, des complémentarités, n'oublions pas que nous parlons tous avec le film et en tant que médiateur, je guide, je provoque des regards, Je stimule la criticité. Le simple fait d'installer le thème de la spiritualité et que les jeunes reconnaissent les attitudes humaines qui les relient à cette dimension, nous gagnerons dans les objectifs proposés. Le plus important dans ces rencontres est de laisser le public penser et percevoir cela des pensées riches et variées émergent dans un dialogue organisé et respectueux.

Il ne faut pas devenir obsédé par le souhait que les conclusions obtenues coïncident totalement avec les miennes, celles du médiateur. Le médiateur n'est pas le propriétaire de l'œuvre, il est un guide vers elle. Il ne faut pas oublier que nous n'enseignons pas dogme, que l'important est la rencontre, la participation dialogique, la connexion avec le spirituel d'une histoire audiovisuelle.Le cinéma n'épuise pas toutes les instances de formation, bien que nous y reconnaissions une contribution importante au processus de la même. il est commode de faire une commande de l'interaction. Dans ce cas, la lucidité du médiateur est importante. Vous devez être en mesure de représenter les différentes voix exprimées et d'exprimer une opinion qui donne une conclusion éclairante. Une bonne expérience dans ce sens ouvre la possibilité de rencontres futures.

 

 

 

Quelques conseils pour travailler en plénière

Vous devez faire preuve de sécurité devant le public avec qui vous allez parler

Vous devez éviter de devenir un showman. Bien qu'une présence dynamique et précise contribue à la fluidité de la réunion.

Il doit être clair dans les instructions de travail, s'il est nécessaire de les répéter et de s'assurer qu'elles ont été comprises.

Vous devez éviter de générer une image savante, mais vous devez éviter de connaître la gestion de l'activité et son approche du travail.

Vous devez être très attentif à ceux qui demandent une intervention et encore plus attentif aux visages ou aux gestes qui suggèrent de vouloir dire quelque chose et n'osent pas demander explicitement.

Évitez de concentrer les interventions sur quelques individus ou sur un participant «vedette», ou sur une confrontation personnelle entre participants

Vous devriez essayer de clarifier quand il y a des lectures sombres ou ambiguës.

Il doit provoquer, sans forcer, la participation des plus réticents à intervenir.

Vous devez être conscient du temps qui passe.

Vous devez faire attention à ne pas ridiculiser les déclarations faibles, peu claires ou mal argumentées.

Vous devez éviter d'imposer votre propre regard, même s'il doit vous guider vers la pensée de ce que nous avons développé en tant que médiateurs.

Soyez patient avec ceux qui ont du mal à argumenter, mais qui contribuent en même temps à construire une clôture.

Si le film a une fin ouverte, équilibrez les possibilités d'interprétation

Perspectives de lecture

Jusqu'à présent, nous avons proposé une manière d'aborder un film. Cependant, il existe d'autres possibilités d'apprécier les regards qu'il ne faut pas ignorer. Quand on est devant une histoire audiovisuelle comme le cinéma, on est devant un langage qui a ses propres codes empreints d'image et de son. Le cinéma a les siens propres lois, et il est commode, si nous travaillons avec elle dans la perspective déjà énoncée, de les connaître, de se familiariser avec elles.

La proposition suivante vise à éduquer le regard dans le discours cinématographique, à détecter ses composantes. Bref, se familiariser et reconnaître dans le récit ce qui le constitue… Chaque rencontre avec le cinéma doit nous aider à devenir alphabétisé dans le discours audiovisuel. Et cela passe par la prise en compte de ses aspects formels: apprendre à regarder des films, c'est aussi apprendre à regarder la télévision, à lire un journal et même à écouter la radio. Comment est-ce possible?

Éduquer un regard critique dans tout discours permet au spectateur de reconnaître la complexité d'une histoire, de découvrir sa dimension idéologique et de détecter les stéréotypes. Il est peu utile de reconnaître les contenus de spiritualité qui sont présents dans un film si en même temps je ne suis pas conscient du jeu des éléments formels qui sont dans la construction de cette histoire, réfléchissons un peu à la dimension idéologique, que nous ne comprenons pas ici comme caractère politique, mais principalement de la vision du monde que l'auteur a de la vie, de l'homme, de l'histoire, de Dieu, etc. D'ailleurs, toujours présent d'une manière ou d'une autre dans les films.

Nous fournissons ici, pour le médiateur, une orientation conceptuelle pour entrer dans l'histoire à travers les personnages, à mon avis les plus appropriés pour travailler dans le cinéma et la spiritualité, puisque ce sont eux qui soutiennent les décisions, leurs comportements, leurs actions morales.

Le personnage en tant que personne

"Les intrigues narrées sont toujours, au fond, des intrigues" de quelqu'un ", des événements et des actions liés à quelqu'un qui, comme nous l'avons vu, a un nom, une importance, une incidence et bénéficie d'une attention particulière: en un mot, un" personnage".

Or, déterminer clairement et synthétiquement en quoi il consiste et ce qui caractérise finalement un «personnage», au-delà de ses points de friction avec l'environnement, est assez difficile. Nous préférons donc ne pas chercher une réponse sans ambiguïté et plutôt recourir à deux perspectives possibles, deux axes catégoriques différents, avec lesquels affronter l'analyse de ces composantes narratives. Considérons alors le personnage d'abord comme une personne puis comme un rôle.

Analyser le personnage en tant que personne, c'est l'assumer comme un individu doté d'un profil intellectuel, émotionnel et attitudinal, ainsi que de sa propre gamme de comportements, de réactions, de gestes, etc. L'important est de transformer le personnage en quelque chose de tendrement réel: que l'on veuille le considérer avant tout comme une «unité psychologique», que l'on veuille le traiter comme une «unité d'action», ce qui le caractérise c'est le fait qu'il constitue une simulation parfaite de ce à quoi nous sommes confrontés dans la vie

Selon cette perspective, nous pouvons différencier des distinctions telles que celles-ci: caractère plat et caractère rond: le premier simple et unidimensionnel; complexe et varié le second
caractère linéaire et caractère contrasté: uniforme et bien calibré le premier; caractère statique instable et contradictoire "et caractère dynamique: stable et constant le premier; évolution constante du second

Naturellement, des catégories plus spécifiques peuvent alors être formulées, en distinguant celles qui renvoient au caractère (c'est-à-dire à une «façon d'être», le personnage en tant qu'unité psychologique), et celles qui renvoient au geste (c'est-à-dire à un faire », au personnage comme« unité d'action ».

Dans tous les cas, il est clair que la «personne», dans ses déterminations multiformes, se fonde aussi sur une identité physique précise, qui constitue en quelque sorte son support. D'où des oppositions telles que homme / femme, vieux / jeune, fort / faible, mais aussi normal / anormal, etc., avec tout ce qui peut construire un «schéma anagraphique» idéal du personnage .

Le personnage comme rôle

Face au personnage en tant que personne, on finit toujours par découvrir son identité irréductible, c'est-à-dire son caractère, ses attitudes et son profil physique, qui tendent à faire de lui un individu unique: d'où ses aspects les plus particuliers et les plus spécifiques. Cependant, il existe une autre manière d'aborder le personnage, en se concentrant sur le «type» qu'il incarne. Dans ce cas, plus que les nuances de sa personnalité, les types de gestes qu'il assume seront mis en évidence; et plus que la gamme de ses comportements, les types d'actions qu'il entreprend. Du coup, nous ne sommes plus confrontés à un personnage comme individu unique et irréductible, mais plutôt à un personnage comme élément codé: il devient une «partie», ou mieux, un rôle qui ponctue et soutient le récit. Bref, du phénoménologique au formel.

Il ne s'agit pas ici de tracer une carte complète des «rôles» cinématographiques, car cela exigerait un livre en soi. Concentrons-nous uniquement sur quelques-unes des grandes caractéristiques qui peuvent caractériser ces «rôles», à travers quelques oppositions traditionnelles:

caractère actif et caractère passif : le premier est un personnage qui se situe comme source directe de l'action, et qui opère, pour ainsi dire, à la première personne; le second est un personnage qui fait l'objet d'initiatives d'autrui, et qui se présente plus comme un terminal de l'action que comme une source

caractère influencé et caractère autonome : parmi les différents personnages actifs, il y a ceux qui se consacrent à provoquer des actions successives, et d'autres qui agissent directement, sans causes et sans médiations; le premier est un personnage qui «fait faire aux autres», trouvant en eux ses exécuteurs testamentaires; le second est un personnage qui «fait» directement, se proposant comme cause et raison de son action;

modifier le caractère et le caractère conservé r: ceux qui interviennent activement dans le récit peuvent agir comme des moteurs ou, au contraire, comme un point de résistance; Dans le premier cas on aura un personnage qui travaille à changer les situations, dans un sens positif ou négatif selon les cas (et ensuite ce sera une amélioration ou un dégrader: pour ce dernier rôle,

personnage principal et personnage antagoniste : tous deux sont sources à la fois de «faire» et de «faire», mais selon deux logiques opposées et fondamentalement incompatibles: la première soutient l'orientation de l'histoire, tandis que la seconde exprime la possibilité d'une orientation exactement inverse .

Les oppositions, nous le répétons, ne sont qu'indicatives. Mais néanmoins, ils suggèrent au moins deux choses. La première est que pour définir les rôles narratifs, il est important d'aller à la fois sur la typologie de leurs personnages et de leurs actions, ainsi que sur leurs systèmes de valeurs, dont ils sont porteurs. Le contraste entre protagoniste et antagoniste est, en ce sens, exemplaire. La seconde observation est que le profil de chaque rôle découle à la fois de la spécification extrême des fonctions (et valeurs) assignées, et de la combinaison de divers traits. La possibilité pour un personnage d'assumer des déterminations différentes montre clairement par sa complexité la façon dont chacun des rôles est également né d'une superposition de traits » (Francesco Casetti et Federico di Chio dans Comment analyser un film Ed Paidos, Barcelone 1990)

En complément de ce qui précède, il est également important de se demander dans la dynamique du débat quel est le sujet du film. "Cette instance est très utile car à plusieurs reprises, on peut remarquer qu'il n'y a pas de compréhension ou d'interprétation commune. point élémentaire pour être clair.

Le sujet doit être exprimé en une ou deux phrases au maximum. Par exemple, si nous nous demandons de quoi parle Roméo et Juliette, nous devrions répondre que l'amour entre les enfants de deux familles qui se détestent.
Ce même thème, que l'on retrouve déjà dans la fable grecque de Pyramus et Thisbé, est présent dans de nombreux films. Tel est le cas de "Rebel without a cause", "West Side Story", "Los tarantos" ou "Wuthering Heights"

Le message

Lorsqu'un auteur écrit un film, en plus de divertir, il a pour but de transmettre au public une manière particulière de voir certaines choses de la vie. D'une certaine manière, il veut refléter ses idées. Tel est le message: le message guide la direction dans laquelle l'auteur développe un certain thème, puisque le message détermine la relation entre l'histoire et les émotions qui font bouger ses protagonistes.
L'auteur doit amener le spectateur à s'identifier au protagoniste du film, sinon il se sentira étranger à l'histoire.

Lorsque le spectateur perçoit que le film tente de répondre à ses propres besoins, il se sent directement engagé dans ce qu'il voit. Aujourd'hui, ces besoins doivent être adaptés à un public entre 15 et 25 ans, car ce sont eux qui vont le plus souvent au cinéma, et ce n'est pas un problème mineur. Nous pourrions dire que la grande production mondiale, en particulier celle qui arrive sur notre marché, génère une opportunité que nous ne devons pas cesser d'oublier, tant que nous le faisons d'un sens critique.

Message humain et message social

Normalement, les films essaient de transmettre un message humain, qui fait référence aux émotions de l'individu, mais il y a des moments où, en plus, ils contiennent un message social.
Par exemple, dans le film nord-américain "Vous avez un e-mail", le message humain, -l'amour peut surgir sur Internet-, est dans l'intrigue principale, tandis que le message social, -les grands magasins détruisent les petits. la famille emmagasine, se déroule dans une histoire secondaire. Jusque-là: Personnages dans leurs différentes fonctions, thème et message.

Comment construire du sens

L'étape suivante consiste à traiter les aspects formels présents dans la langue du film lui-même, ce ne sont pas seulement le scénario (les mots explicites, que les personnages peuvent énoncer) ou les attitudes qui sont faciles à reconnaître et à décrire. Il y a du sens dans l'image: un mouvement de caméra, un cadre, la durée d'un plan, l'éclairage, le son, la musique; sont des éléments correctement lus qui contribuent à la compréhension et à l'approfondissement de l'histoire et de ses personnages. Dans ce contexte, les objets présents dans l'image acquièrent une dimension symbolique. Un vélo, un chat, un crayon, de l'eau courante dans un évier, des vagues qui atteignent la plage, des choses en mouvement ou immobiles, détaillées en détail ou même suggérées par leur absence peuvent être constituées en métaphores dans l'histoire, nourrissant un sens poétique au récit .

Il est courant que lorsque nous utilisons le cinéma comme outil, nous approfondissons le contenu et essayons d'élucider le message. Cependant, cette opération doit s'exercer en veillant toujours au formel. Nous devons concevoir le formel comme le moyen d'accéder au contenu.

Tout œil sensible et formé dans les arts reconnaîtra formellement ce qui précède, mais le but de ce guide est de contribuer avec des propositions théoriques et des exemples à former à cet égard. L'utilisateur de cette publication peut se référer aux autres étapes qui développent le sujet spécifique du langage cinématographique.

Le scénario de travail

Réglage

Un facteur très important à prendre en compte pour que l'expérience génère l'objectif poursuivi est de préparer soigneusement l'espace de projection, il est possible que les recommandations suggérées ci-dessous soient évidentes ou au contraire utopiques. Dans un cas ou dans un autre, il convient de s’occuper d’eux. Nous sommes conscients que les groupes humains capables de travailler avec le cinéma abondent, mais les conditions appropriées pour le faire ne le sont pas. Cependant, la pratique exige de rechercher et de mettre tous les efforts possibles pour un cadre adéquat. N'oublions pas Le groupe de personnes avec qui nous allons travailler, en tenant compte de l'introduction, de la projection et du dialogue qui s'ensuit, avec une brève pause, fait la moyenne des quatre heures de permanence Les points à prendre en compte sont proposés comme modèle idéal. Plus nous pouvons nous rapprocher de lui, meilleur sera notre travail.

Avant la projection

Il y a des considérations importantes lorsque les lieux sont réalisés en dehors des domaines professionnels. Si le médiateur est responsable de la mise en place de la réunion, il doit également essayer de s'occuper de choses qui peuvent paraître insignifiantes, mais qui ne sont pas résolues parfois frustrent les réunions ou du moins les rendent inutilement désordonnées.

Quelques conseils:

Reconnaissez la pièce à un niveau personnel. Évaluer personnellement si les conditions promises, en cas d'être un lieu utilisé pour la première fois, sont cohérentes avec la réalité et répondent vraiment à ce dont nous avons besoin. La vision de la personne qui prête ou loue le lieu n'est pas toujours la même ou connaît nos besoins avec précision. Le jour de la rencontre-exposition sera un temps avant. En cas d'événements imprévus, nous avons un temps en faveur qui peut nous permettre d'effectuer des ajustements et des corrections. Le film à exposer doit être à la porte. En d'autres termes, avec les sous-titres définis, dans la langue d'origine et arrêtés au début exact du premier cadre de présentation Quelques minutes avant le début de l'exposition, vérifiez ce qui est pertinent pour la projection.

Projection

Il faut garder à l'esprit quelque chose d'important: pour tous les participants, l'expérience doit être agréable, comme nous travaillons avec le cinéma, la projection doit être aussi proche que possible du cinéma, c'est-à-dire celle d'un cinéma.

Obtenez une panne totale

Ventilation ou climatisation selon le climat

Sièges confortables et suffisants

La pièce doit être protégée des bruits et des bruits extérieurs, en même temps

Son, diaphane, ajusté à un volume proportionnel au nombre d'habitants de la pièce, cela signifie que le réglage du son doit être fait avec la projection déjà commencée.

Focus sur le réglage de l'écran (mise au point critique).

Heureusement aujourd'hui, nous avons une technologie qui est plus largement utilisée dans sa disponibilité, comme les projecteurs multimédias qui rapprochent l'expérience de l'écran de cinéma, loin du format de télévision